Expo Repartir à Zéro - l'Art en Europe et en Amérique de 45 à 49 +8 ans

Cette grande exposition sera consacrée à l'art de l'après Seconde Guerre mondiale, en France, en Amérique et sur les scènes artistiques émergentes. La période retenue est l'immédiat après-guerre et va jusqu'au début de la Guerre froide (1945-1949). Ce qui rassemble les artistes français et américains, à ce moment, est le sentiment de repartir à zéro, de refonder un art débarrassé des idéologies qui avaient accompagné la création artistique depuis le début du XXe siècle.
La destruction de régions entières, la mort de dizaines de millions d'êtres humains, la découverte des camps de concentration nazis remplis de cadavres - morts ou vivants, l'explosion de deux bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki. Les expériences traumatiques constituent, au sortir de la seconde guerre mondiale, le point de départ à partir duquel nombre d'artistes, de part et d'autre de l'Atlantique quoique avec des accents différents, envisagent désormais la création. Ils en tirent la conclusion qu'il ne saurait y avoir d'autre méthode désormais que de " repartir à zéro, de faire comme si l'art n'avait jamais existé ", pour reprendre la formule explicite du peintre américain Barnett Newman.
Pendant quelques années, entre 1946 et 1949, jusqu'à ce que triomphe la guerre froide et qu'apparaissent à nouveau des divisions infranchissables au sein du monde de l'art, une situation d'ouverture et de générosité a été créée par ces sentiments mêlés d'urgence et de perdition, de possible renouveau radical et de perte brutale du passé. Les hommes et les femmes ont échangé idées, oeuvres, et méthodes dans un paysage artistique à la fois libre et très diversifié. C'est ainsi que, en Amérique comme en Europe, ont fleuri les pratiques expérimentales marquées par le primitivisme et l'automatisme, en particulier en peinture mais aussi en sculpture ou en photographie.
L'histoire de l'art a rapidement choisi de considérer cette période comme une parenthèse, un moment de formation quelque peu naïf avant que les artistes qui ont succombé passent à des périodes de maturité. En même temps, elle a aussi figé la situation en deux blocs opposés. D'un côté, l'expressionnisme abstrait américain (avec Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, David Smith ou Willem De Kooning), marqué par une rupture brutale avec le passé de l'art et l'invention d'un nouveau sujet héroïque: l'idéal du pionnier de Western transposé dans les beaux-arts. De l'autre côté, les abstraits lyriques (Nicolas de Staël, Wols, Bram van Velde, Pierre Soulages) d'une École de Paris acharnée à retrouver la gloire de la capitale artistique cosmopolite de la première moitié du vingtième siècle, en proposant une synthèse entre expérimentations abstraites et tradition tempérée.

L'exposition entend opérer une mise à plat de la situation artistique qui a prévalu pendant cette brève période où, souvent sans aucune concertation ni connaissance réciproque, des artistes ont voulu repartir à zéro. Elle entend notamment élargir le face-à-face Paris / New-York, en montrant comment le foisonnement de la création dans ces villes allait au-delà des deux ou trois figures qu'on en retient généralement, mais aussi en mettant en valeur une géographie plus complexe, qui intègre aussi bien le reste du vieux continent (Antoni Tapiès à Barcelone, Ernst Wilhelm Nay ou Ewald Mataré à Düsseldorf, Lucio Fontana à Milan, les post-surréalistes tchèques, danois ou néerlandais) que la Côte Ouest des Etats-Unis (notamment les jeunes expérimentaux de San Francisco, comme Hassel Smith), voire le Canada (avec le groupe des Automatistes, autour de Paul-Émile Borduas et de Jean-Paul Riopelle) et l'Amérique du Sud (avec les activités du groupe Madí notamment).

Cette période, il faut le souligner, est un moment décisif dans la carrière de quelques-uns des plus grands artistes du XXe siècle - Giacometti, Pollock, Rothko, de Staël, Soulages, Fontana - qui créèrent alors certains de leurs chefs-d'oeuvre.

Article créé par Aurore Lemaître le 28 janv. 2008